Искусство и мода всегда шли бок о бок. Крупные мировые бренды премиум сегмента и масс-маркет создают коллекции с картинами Энди Уорхола, Ван Гога, Жана-Мишеля Баскии и Кита Харинга. Они наносят их работы в качестве принта на футболки или джинсовки, используют как фон на фотосесcиях и воссоздают одежду персонажей с этих работ. Количество таких брендов растет с каждым днем, и все от Calvin Klein и Dior до Uniqlo и H&M так или иначе взаимодействуют с современными или уже умершими художниками, создают коллекции с отсылками на их работы или целиком состоящие из них. История взаимоотношений изобразительного искусства и моды уходит корнями в ХХ век. Музей MoMA в Нью-Йорке определил три периода времени, когда искусство и мода имели наиболее интенсивную взаимосвязь: сюрреализм 1920-х, поп-арт 1960-х и 1990-е.
В конце девятнадцатого и первой половине двадцатого веков, с последующим появлением новых жанров или движений, таких как кубизм, модерн, футуризм и сюрреализм, многие художники страстно интересовались идеологическими аспектами одежды, они присвоили моду как привилегированное поле, в котором художник мог выйти за пределы самого искусства и действовать непосредственно в повседневной жизни. Некоторые из художников достигли высокого статуса в области моды. Можно упомянуть Льва Бакста — только преждевременная смерть помешала открытию им собственного дома мод в Париже.
А украинско-французская художница-авангардистка Соня Делоне удостоилась прижизненной выставки в Лувре. Она значительно преуспела в дизайне одежды; ее дизайны в 20-е носили по всему миру.
Голландская группа «De Stijl» («Стиль»), Тео ван Дусбург и Пит Мондриан оказали огромное влияние на моду и дизайн. Тесные взаимоотношения с модой имел Энди Уорхолл.
Не только художники влияли на моду, но и сами модельеры активно сотрудничали с художниками. С середины девятнадцатого века многие кутюрье были признаны за их близкие отношения с миром искусства. Например, такие дизайнеры как Поль Пуаре и Эльза Скиапарелли являются историческими примерами сотрудничества с художниками в области дизайна одежды.
Поль Пуаре родился в парижской семье среднего класса. Он работал в компании Daucet and Worth, а в 1903 году основал собственный дом моды. На протяжении всей своей карьеры он развивал ассоциации с искусством. Пуаре дебютировал в кутюрной области, когда был еще подростком, продавая эскизы дизайнов платьев известным кутюрье. Его сотрудничество с художниками варьировалось от платьев и лейбла до кутюрного дома. Эльза Скиапарелли говорила, что он считается первым модельером, успешно связывающим моду с искусством.
Среди художников, с которыми работал Пуаре, – Жорж Лепа, Эдуардо Бенито, Ман Рэй, Эдвард Стейхен, Рауль Дюфи и другие. Например, он поручил иллюстратору Бернарду Наудину отвечать за канцелярские товары и связанные с ними графические материалы в 1906-ом году. Художник-график и дизайнер ювелирных украшений и мебели Пол Ирибе был приглашен для создания первого из своих роскошных альбомов моделей кутюр в 1908-ом году. Ирибе также создал и дизайн лейбла дома кутюр, который использовался в течение 20 лет.
В 1909 году Пуаре попросил художника Рауля Дюфи разработать виньетки для своих новых канцелярских принадлежностей от кутюрного дома, а также приглашения и декорации для одной из самых известных вечеринок Пуаре. Затем, в 1911 году, он поручил Дюфи сделать гравюры на дереве для тканей. Сотрудничество Пуаре с Дюфи в 1911 году стало началом его сотрудничества с художниками в области дизайна одежды. Именно это позволило общественности узнать о Пуаре.
Поль Пуаре по дизайну Рауля Дюфи 
Поль Пуаре по дизайну Рауля Дюфи
В то время как Пуаре приглашал художников для своего модного бизнеса, он также сформировал и внушительные личные коллекции, содержащие тщательно отобранные образцы современного искусства и дизайна. Эти две сферы постоянно пересекались и обогащали друг друга: художники, которые создавали проекты для его бизнеса, также включались в его коллекцию, как в случае с Дюфи, Ирибе, Лепапом, Наудином и Буте де Монвелем. Пуаре сделал все возможное, чтобы заверить своих клиентов, что, войдя в его кутюрный дом с таинственным священным видом
«Вы будете чувствовать себя не в магазине, а в мастерской художника, который собирается сделать из ваших платьев портрет» Поль Пуаре
Прославилась своим частым взаимодействием с искусством и Эльза Скиапарелли. Итальянка, которая сначала работала в Париже в 1920-х и 1930-х годах, а потом и в США после второй мировой войны. Первые несколько лет она была сосредоточена исключительно на спортивной одежде, а затем пришла и к дизайну вечерних нарядов.
Хоть Скиапарели вела свой бизнес более 20-и лет, ее в первую очередь помнят благодаря свитеру с надписью «trompe l’oeil» 1928 г. – а также ее профессиональной храбрости и ее работам конца 1930-х годов.
Будучи новичком без опыта проектирования, даже не имея возможности закупать материалы оптом, в 1928-ом году Скиапарелли разработала свою первую работу – свитер с надписью «trompe l’oeil». Эта работа снискала международный успех. Журнал «Martin» высоко оценил Скиапарелли как художника, сравнив ее свитер с подставкой для бутылок Дюшана, посчитав, что эта новинка была «как сушилка для бутылок Дюшана, реди мейдом».
В 1930-е Скиапарелли сотрудничала с группой сюрреалистов, которые уделяли внимание телу и одежде в своих скульптурах. Общение с такими художниками как Кристиан Берар, Жан-Мишель Франк, Сальвадор Дали и Жан Кокто придало ей дизайнерской смелости.
Результатом их сотрудничества стали одежда и аксессуары, такие как «Ботинок-шляпа», «Шапка из баранины», «Платье из слез» и Вечернее платье «Лобстер». Эти дизайны выражали особую смелость, поскольку бросали вызов традиционным эстетическим нормам конструкции и дизайна западной одежды. Кроме того, мода 1930-х была ориентирована на более традиционную и элегантную женственность, выраженную плавными линиями, волнистыми и длинными волосами.
Созданная совместно с Дали «шляпа-ботинок». Эта работа была предложена Сальвадором в качестве эскиза, который доработала сама Скиапарелли. Как классика жанра, вывернутый ботинок в качестве головного убора рассматривается как шутка, сохраняющая правило элегантности.
Платье из слез. Эту работу Дали и Скиапарелли разработали в 1937 году и назвали это платье «Слеза-иллюзия». Оно состояло из двух частей – плаща, на котором слезы были настоящими, и платья и на котором слезы были вымышленными, играющими с целостностью материала почти так же, как играл де Кирико с элементами классической архитектуры. Учитывая, что это платье было разработано во время гражданской войны в Испании, когда фашизм распространялся по всей Европе, считается, что в дизайне есть глубокая философия, выражающая какое-то политическое утверждение.
Вечернее платье «Лобстер». Еще один тандем искусство и мода, созданный Скиапарелли с Сальвадором Дали — платье с огромным изображением лобстера с веточками петрушки. Лобстер предстает перед нами в готовом виде, а не в живом, что смягчает его потенциально зловещий вид.
Таким образом, искусство и мода, их неразрывная взаимосвязь, появилась больше сотни лет тому назад. И это сотрудничество с каждым годом становится все крепче, и, для нас, как для наблюдателей и потребителей, все более интересным объектом для наблюдения.
Международная выставка сюрреалистов 1938 года сама вошла в историю произведение искусства. Читать далее.
