На открытии 4-й Московской биеннале современного искусства Питер Вайбель сказал:
.
И в этом его утверждении с ним солидарно большинство арт-профессионалов. Более того, сегодня это абсолютный факт, а процесс перехода от модерна к современному искусству — контемпорари арт, начался гораздо раньше, еще в середине ХХ века.
Во многом это было связано с тем, что центр художественной жизни переместился из Парижа и Лондона в Нью-Йорк. Причин этому было несколько: во-первых, послевоенная Америка процветала, а как известно искусство достигает наибольшего расцвета в экономически стабильных местах, где имеются средства для инвестирования в искусство, находится достаточное количество коллекционеров, формируется спрос, который рождает предложение. Был также и другой фактор – фактор довоенной эмиграции (в 20–40-е гг.) европейских художников в США. Причины этой эмиграции были разными, но независимо от этого, часть европейских художников еще до Второй мировой войны обосновались на постоянное местожительство в США.
К этому времени Америка не имела своих значительных художественных традиций, как, впрочем, и формировавшейся веками культуры. В целом американская публика и коллекционеры, с одной стороны, создавали спрос на нечто, являющееся более понятным для восприятия, с другой – они были более лояльными к любым новым течениям в живописи. Исторически сложилось так, что США, будучи молодой страной, воспринимали молодое искусство лучше, чем любая другая европейская страна. Америка изначально более лояльно относилась к импрессионистам и авангардистам – влияние салона и традиций на художественные вкусы не проявилось в том объеме, как это было в Европе. В тоже время, модерн и авангард — экспрессионизм, сюрреализм, кубизм и так далее были слишком трудны, слишком элитарны для американцев. Еще
В результате американская публика и художники переработали авангардное европейское наследие и, интегрировав его в свою культуру, к которой впоследствии отнесут характеристики – массовая, популярная, коммерческая, потребительская, делая из искусства настоящую индустрию развлечений, выделили 4 основных направления, которые и стали фундаментом современного искусства второй половины века:
Имел свои корни еще в Париже, но наибольшее распространение получил в США в работах таких мастеров, как Ротко, Поллок, Де Кунинг.
Марк Ротко (1903 — 1970) — основатель живописи «цветового поля». Конечно, Ротко был модернистом, однако он сделал не мало того, что впоследствии легло в основу контемпорари арт: «Тот факт, что художественная работа начинается с рисунка — уже академический подход. Мы начинаем с цвета» — писал он.
Джексон Поллок (1912-1956) — один из создателей живописи действия. Его подход к работе с холстом уже и вовсе подразумевал абсолютную спонтанность — Поллок капал, брызгал на него краской, даже ходил по нему туда обратно с продырявленным ведром, из которого стекала краска. Один критик назвал его живопись — «живопись капельницей». Если подойти к его работам поближе, то можно увидеть гвозди, гайки, чуть ли не ногти, помещенные в слои краски.
Виллем де Кунинг (1904-1997) — также работал с живописью действия, то есть не обдуманно, а спонтанно. Он говорил: «Мысль о том, что природа хаотична, а художник вносит в нее порядок, абсурдна, на мой взгляд. Единственное на, что мы можем претендовать, это внести немного порядка в нас самих».
Если Дюшан предполагал, что вещь не то, что нам кажется, и внесение в предмет художественной воли и есть искусство, то знаменитая Нью-Йоркская пятерка поп-арта: Раушенберг, Олденбург, Энди Уорхол, Лихтенштейн, Розенквист – своим творчеством констатировали взаимопроникновение культурных форм, то есть тот самый культ материальных ценностей и вещизма, о которых говорил Й. Хейзенга.
Роберт Раушенберг (1925 — 2008) — прославился своим переходом в 50-е от абстрактного экспрессионизма к поп-арту. Раушенберг совместил живопись и скульптуру, создав так называемые combine painting (скомбинированные картины).
Он использовал для создания своих картин фотографии, одежду, обрывки газет, мусор — любые нетрадиционные предметы.
Клас Олденбург (род. 1929) — стал известен тем, что стал делать скульптуры, изображающие обычные, заурядные предметы (гамбургеры, воланчики для бадминтона, вилки, прищепки для белья и т.д.), но несоизмеримо огромных размеров.
Энди Уорхолл (1928 — 1987) — известен своими изображениями банок супа Campbell’s, а также политиков и звезд Голливуда, но его вклад в становление современного искусства, прежде всего, заключается в том, что он первый стал тиражировать свои работы. С него искусство больше не является уникальным и неповторимым объектом. Несмотря на то, что цены на работы Уорхолла состоят из шести цифр , его работ, выполненных в технике шелкографии, и по сей день на арт-рынке очень много.
Рой Лихтенштейн (1923 — 1997) — получил широкую известность создавая картины на основе комиксов и мультфильмов. Он также как и Уорхолл стал использовать технологию шелкографии, промышленной печати.
Джеймс Розенквист (род. 1933) — один из ведущих представителей поп-арта, прославившийся своими принтами и коллажами.
Возник как реакция на абстрактный экспрессионизм и его художественные формы, сосредоточившись на геометрических формах, лишенных символизма и метафоричности в работах американцев – Карла Андре, Дэна Флавина, Сола ле Витта, Дональда Джадда.
Карл Андре (род. 1935) стремился постичь структуру и пространство. Он создавал сборные конструкции из разнообразных промышленных материалов, обычно листов железа, кирпичей и т.д. при этом они никак не скреплялись друг между другом, тем самым позволяя с одной стороны разбивать их на геометрические формы — кубы, линии и т.д., а с другой стороны он как бы вовлекал зрителя принять участие, меняя фигуры местами, изымая некоторые из них.
Дэн Флавин (1933 — 1996) первым начал использовать свет, как форму. Его работы по большей части состоят из флюрисцентных ламп.
Сол ле Витт (1928 — 2007) как и другие минималисты работал с простыми геометрическими формами, его любимой был — куб.
Дональд Джадд (1928 — 1994) вслед за Марком Ротко говорил, что его работы — это простое выражение сложной мысли. Был художественным критиком и только потом стал художником. Также стремился к чистоте формы и пространства, разработал собственный словарь форм, а точнее «конкретных объектов» — «стопки», «коробки», «прогрессии». В последствии «вынес» свои работы на улицу, внеся свой вклад в развитие жанра инсталляции.
Идейно подготовлено Марселем Дюшаном, переработано американскими художниками Джозефом Кошутом, Робертом Раушенбергом, Карлом Андре и другими.
Джозеф Кошут (род. 1945) — основоположник и идеолог концептуализма считал, что: » искусство — это сила идеи, а не материала». Иными словами, задача искусства в передаче концепции, то есть идеи. Одной из самых первых концептуальных работ принято считать его работу «один и три стула», представляющую собой стул, его фотографию и описание из словаря.
Окончательно формируется новое отношение к искусству. Всякое современное искусство — это наращивание на старые виды. Так все описанные выше направления выросли друг из друга. При этом, стоит отметить, что современное искусство, как и общество, чрезвычайно многообразно. Так, поп-арт гораздо более известен среди масс, нежели минимализм. Однако, это не означает, что в истории искусств минимализм занимает менее важное место.
