Иван Симонов: “Я вдохновляюсь улицей, а потом переношу свой опыт в пространство галереи”

В галерее pop/off/art проходит персональная выставка уличного художника Ивана Симонова «Текст как ландшафт». Зрителя встречают кричащие транспаранты, окна электричек, привычные бытовые объекты, дополненные текстом, открывающие для зрителя новые грани восприятия. Мы обратились к Ивану с просьбой рассказать, как велась работа над проектом, и что чувствует уличный художник, оказавшись в пространстве белого куба. 

Иван, это твоя первая персональная выставка в галерее pop/off/art , но не первый проект на Винзаводе. Расскажи, как велась работа над проектом, и почему ты решил выстроить выставку вокруг текста, а не «Маленьких людей», которыми более известен?

Иван Симонов: Мы обсуждали два варианта. Один полностью был посвящен “маленьким людям”. Я предлагал показать работы, отражающие социальную среду горожан. А второй уже был про работу с текстом — разобрать на части текст, понять, как он работает, почему я его использую, как он появляется в различных моих работах. В итоге решили показать текстоцентричный, где я ухожу от образа человека, но продолжаю изучать социальную среду. Только здесь уже погружаюсь в более сложные структуры и начинаю разбирать язык, как он на нас влияет, как он формирует мышление, отражает нашу культуру.

На выставке «Текст как ландшафт» каждая работа выполнена при помощи текста в разных техниках. Есть вырезание, есть вода — я с ее помощью рисую, есть видео-арт, где я тоже рисую водой, есть фотография, есть оракал, вышивка, рисунок по ткани, есть мелки. То есть разнообразное количество техник и материалов, как текст преображается в зависимости от способа нанесения. 

Это безусловно новый ракурс на твое искусство. Я точно не мыслила тебя в работе с лозунгами и манифестами, хотя, возможно, я ошибаюсь.

На самом деле впервые лозунг я сделал еще в 2020 году, когда был резидентом «Открытых студий». Я повесил свою работу над входом в Винзавод. С одной стороны была надпись “Искусство лечит”, а с обратной “Теперь вы здоровы”. Эта работа была сделана во время пандемии. 

Этот лозунг также представлен на выставке. Она и стала отправной точкой создания двухсторонних лозунгов. Именно двусторонность меня очень привлекает. Человек не может считать  сразу все. То есть любой лозунг, манифестация отражают лишь одну сторону вопроса. И не показывают изнанку. Это меня привлекает. И я с этим начал работать. Относительно этой идеи и был выстроен весь нарратив выставки, подобраны работы, как обобщенный опыт работы с текстом, который я превращаю в единую общую инсталляцию и погружаю туда зрителей.

Но выставка объединяет твои работы разных периодов?

Да, это все наработки разных лет. Работа с окнами была сделана в электричке в 2020 году на нелегальной выставке, которая называлась «Из России в никуда».  Тогда я впервые использовал этот прием, наклеил наклейку на стекло электрички и сделал фотографию. Позже я повторил этот прием в 2021 году с надписью «Горизонт завален». Для выставки я сделал еще два окна с надписью “Дальше больше” и “Прекрасное далеко”. А в экспликации около работ указаны дата и время и название поезда, откуда он ехал и куда.  Двери я начал рисовать в 2021 году, когда ходил по улицам и писал мелом на дверях  различные высказывания.  Работа «Эпоха разоренной красоты» тоже уличное произведение 2022 года, которое я воплотил в Ростове-на-Дону. 

Русская культура по своей сути литературо- и текстоцентрична. Когда ты вступаешь в это поле, то формируется общая линия и с московским концептуализмом, и с Булатовым, Кабаковым, Соковым. Чувствуешь ли ты эту связь?

У меня была очень смешная история. Когда мне было лет 15-16, я сформулировал, что искусство не обязательно может быть визуальным. Это может быть идея, выраженная в каком-то графике, или описании, или тексте. И только потом я узнал, что такое искусство существует и называется концептуализмом. И сейчас тоже случаются похожие ситуации. Когда я делаю проект, а потом нахожу сходство. То есть даже в такой  работе, как «Дальше-Больше», которая по визуалу очень похожа на Булатова, я это сходство заметил только, когда нарисовал эскиз.

Я задумывал образ движение-текст. И мне было важно, чтобы текст описывал сам себя, что с ним происходит, а далее накладывался на фон, который случайно просматривается в окне. Я пытался подобрать ряд фраз, которые могли бы быть визуально, графически подчеркнуты тем, о чем они говорят. “Горизонт завален” у меня падает за линию горизонта. “Призрачная перспектива”   держится на этой линии, где мы видим перспективу. “Прекрасное далеко” соответственно также превращается в такую устремляющуюся линию. А в “Дальше-больше” текст идет на расширение. И когда я это создавал, я не вспоминал о Булатове. 

Параллели с Булатовым очевидны. Но интересно, что он не делал это в реальном времени и не мыслил взаимодействия с зрителем. У тебя же обратная история — сперва взаимодействие, а потом уже выставка в галерее.

Да, мои работы делались в общественном пространстве. Фактически, это сайт-специфик арт, или паблик-арт. Может быть в какой-то степени, как стрит-арт, но внутри. Взаимодействие со зрителем для меня очень важно. Чтобы искусство было открыто, доступно и сталкивалось со случайным зрителем. А уже дальше я придумываю форму, в которой уличная работа может быть представлена в пространстве галереи. Тоже самое с дверью. Мы знаем, что и Макаревич с окнами работал, и Кабаков с дверьми. Ну и в целом это расхожий образ в концептуальном искусстве. Я думаю, что все это связано с тем, что мы используем доступные материалы и осмысляем быт. Как концептуалисты были ограничены в своих материалах и техниках, так и я. 

Но ты верно подметила, я начинал с улицы, делая надписи на дверях. Проект назывался “Двери говорят”. Обычным мелком я писал абсурдистские надписи от лица двери, либо некий текст-обращение к прохожим, типа “А Сережа выйдет?”, или текст-предупреждение “Обед”, или “Работаем с 9 до 18”, или “Ушел на перерыв”.

Для выставки я придумал такую дверь, которая может быть помещена в галерею и взаимодействует с людьми внутри пространства галереи. Так как это сделано не на улице, то у меня была возможность немного усложнить работу. Я добавил глазок, который смотрит на толпу. Но глазки тоже не просто так появились. Глазки тоже были в другом моем уличном проекте “Что там?”, в котором я выпилил много-много-много глазков, которые образовывали вместе текст “Что там?” и через них можно было смотреть за забор.

В выставке я вновь использовал этот свой уже наработанный прием и дополнил им эту дверь. И потом, когда делал глазок, пришла идея, что там должны быть люди, что уже становится отсылкой к проекту “Маленькие люди”, который я тоже на улице делаю. Получается, что я компилирую свой опыт.

И все же разница в работе с галерей и улицей большая?

Конечно, большая. Когда я работаю на улице я отталкиваюсь от пространства, город задает контекст, настроение. Он мне подсказывает, что может быть сделано. А галерея — это белый куб, в который ты приходишь с наработками, которые взял извне. В моем случае, я вдохновляюсь улицей, а потом переношу это в пространство галереи. Это совершенно разные подходы. Но приемы, которые я придумал для улицы, могут работать и в пространстве галереи. На улице я нахожу дверь, а в галерею я ее приношу вместе с лозунгами, надписями. Другая моторика, чуть более сложная, здесь, конечно, присутствует некоторое «обыгрывание». Улица для меня вдохновение, а свою технику я подстраиваю под обстоятельства галереи. 

В тоже время, на выставке довольно много интерактивных объектов, с которыми я предлагаю зрителю взаимодействовать, потому что для меня важно это включение. Как уличный художник я часто работаю с зрителем. Люди начинают с моими работами фотографироваться или как-то иным образом взаимодействовать. В галерее я эту практику сохраняю.

Для меня важно чтобы искусство было открыто и погружало людей, давало им возможность почувствовать себя соучастником. 

Ростислав Лебедев, написавший текст к твоей выставке, верно подмечает, что «Маленькие люди любят большие лозунги. Это их возвеличивает» и получается, что на самом деле это очень даже ложится на твое высказывание. Вообще, со стороны галереи была искусствоведческая и кураторская поддержка? Как вы распределяли роли в проекте?

Галерея очень аккуратно отнеслась к моему проекту. Он реализован в том виде, как я его придумал. В моей команде — я и моя жена, она мой продюсер, мой менеджер. Я придумал проект, а она помогала мне с технической частью и пост-продакшеном. Презентовали проект галерее в виде макета с развеской, правда первоначальный замысел предполагал белый куб по центру и пять дверей, от которых мы отказались. Взаимодействие с галереей происходит через менеджера проектов. Алиса Николаева невероятно активный куратор и высокоэффективный менеджер, поэтому согласования внутри галереи происходят быстро. Мне разрешили использовать все поверхности. На монтаже было не всегда просто, но команда справилась.

Текст написал Ростислав Лебедев, только благодаря усилиям Алисы. Он вообще до этого никому его писал. А нам пришла в голову эта идея потому что в обширной библиотеке pop\off\art нам попался каталог с выставки где мы наткнулись на работу Ростислава «Это просто Текст» так возникла ассоциация с моей выставкой. Алиса была все дни монтажа. Развеску на втором этаже поменяли за день до выставки, по ее предложению я включил в экспозицию новые графические работы с дверьми.

• 

• 

Как ты относишься к фигуре куратора?

Мне нравится взаимодействие с людьми, которые способны привнести новый взгляд и видение на мои идеи, как-то их трансформировать. Мне это нравится, потому что это возможность самому по-новому увидеть и раскрыть свои работы, что-то о них узнать, чего я не замечал. Например, когда мне самому что-то не очень нравится, а куратор обращает внимание, что это здорово. Такой обмен очень ценен и важен мне. 

Изображения: Ольга Мерзлякова, Иван Симонов, Анастасия Грибкова, Винзавод

Интервью: Катя Карцева

Иван Симонов (р.1991, Москва). С 2005 начал рисовать на улицах; в 2011 году работает в области документальной фотографии. В 2016 году создал свой самый знаменитый проект #маленькиелюди, в котором интегрировал в городское пространство черно-белые документальные фотографии обычных прохожих. В 2018 году Симонов стал победителем фотоконкурса BEST OF RUSSIA-2017 с фотографией уличной работы, созданной совместно с художником Кириллом Кто. Участник крупных групповых выставок и фестивалей уличного искусства. Дважды номинирован на премию Сергея Курехина. Работы находятся в коллекциях Copelouzos Family Art Museum (Греция), Музея современного искусства PERMM(Пермь), Государственный художественный музей Ханты-Мансийского автономного округа, Фонд поддержки и развития современного искусства «Винзавод», Фонд содействия развитию современного искусства Ruarts Foundation (Москва), ЦСИ Сияние (Апатиты). Живет и работает в Москве.