Смерть модерна и торжество контемпорари. Как все начиналось?

На открытии 4-й Московской биеннале современного искусства Питер Вайбель сказал:

"Сто лет назад мы похоронили живопись, теперь настала пора похоронить модерн".

И в этом его утверждении с ним солидарно большинство арт-профессионалов. Более того, сегодня это абсолютный факт, а процесс перехода от модерна к современному искусству - контемпорари арт, начался гораздо раньше, еще в середине ХХ века.

Во многом это было связано с тем, что центр художественной жизни переместился из Парижа и Лондона в Нью-Йорк. Причин этому было несколько: во-первых, послевоенная Америка процветала, а как известно искусство достигает наибольшего расцвета в экономически стабильных местах, где имеются средства для инвестирования в искусство, находится достаточное количество коллекционеров, формируется спрос, который рождает предложение. Был также и другой фактор –   фактор довоенной   эмиграции (в 20–40-е гг.) европейских художников в США. Причины этой эмиграции были разными, но независимо от этого, часть европейских художников еще до  Второй мировой войны обосновались на постоянное местожительство в США.  

К этому времени Америка не имела своих значительных художественных традиций, как, впрочем, и формировавшейся веками культуры. В целом американская публика и коллекционеры, с одной стороны, создавали спрос на нечто, являющееся более понятным для восприятия, с другой  –   они были более лояльными к любым новым течениям в живописи. Исторически сложилось так, что США, будучи молодой страной, воспринимали молодое искусство лучше, чем любая другая европейская страна. Америка изначально более лояльно относилась к импрессионистам и авангардистам –  влияние салона и традиций на художественные вкусы не проявилось в том объеме, как это было в Европе. В тоже время, модерн и авангард - экспрессионизм, сюрреализм, кубизм  и так далее были слишком трудны, слишком элитарны для американцев. Еще

Хоссе Ортега-И-Гассет  говорил, что  модерн это «...искусство для художников, а не для масс людей. Это будет искусство касты, а не демократическое искусство». 

В результате американская публика и художники переработали авангардное европейское наследие и, интегрировав его в свою культуру, к которой впоследствии отнесут характеристики – массовая, популярная, коммерческая, потребительская, делая из искусства настоящую индустрию развлечений,  выделили 4 основных направления, которые и стали фундаментом современного искусства второй половины века:

 

Абстрактный экспрессионизм (40–50-е гг.). 

 Имел свои корни еще в Париже, но наибольшее распространение получил в США в работах таких мастеров, как Ротко, Поллок, Де Кунинг. 

Марк Ротко (1903 - 1970) - основатель живописи "цветового поля". Конечно, Ротко был модернистом, однако он сделал не мало того, что впоследствии легло в основу контемпорари арт: «Тот факт, что художественная работа начинается с рисунка — уже академический подход. Мы начинаем с цвета» - писал он. 

rotko

Джексон Поллок (1912-1956) - один из создателей живописи действия. Его подход к работе с холстом уже и вовсе подразумевал абсолютную спонтанность - Поллок капал, брызгал на него краской, даже ходил по нему туда обратно с продырявленным ведром, из которого стекала краска. Один критик назвал его живопись - "живопись капельницей". Если подойти к его работам поближе, то можно увидеть гвозди, гайки, чуть ли не ногти, помещенные в слои краски. 

pollock

Виллем де Кунинг (1904-1997) - также работал с живописью действия, то есть не обдуманно, а спонтанно. Он говорил: "Мысль о том, что природа хаотична, а художник вносит в нее порядок, абсурдна, на мой взгляд. Единственное на, что мы можем претендовать, это внести немного порядка в нас самих".

dekooning

 

Поп-арт (60-е гг.).

Предложенный еще Марселем Дюшаном именно в США 60-х гг. получил наибольшее распространение.

является ли поп-арт формой современного искусства, выражающей логику знаков и потребления или же он является только результатом моды и, значит, сам выступает как чистый объект потребления? Искусство общества потребления, читать далее.

Если Дюшан предполагал, что вещь не то, что нам кажется, и внесение в предмет художественной воли и есть искусство, то знаменитая Нью-Йоркская пятерка поп-арта: Раушенберг, Олденбург, Энди Уорхол,  Лихтенштейн, Розенквист –   своим творчеством констатировали взаимопроникновение культурных форм, то есть тот самый культ материальных ценностей и вещизма, о которых говорил  Й. Хейзенга. 

Роберт Раушенберг (1925 - 2008) - прославился своим переходом в 50-е от абстрактного экспрессионизма к поп-арту. Раушенберг совместил живопись и скульптуру, создав так называемые combine painting (скомбинированные картины).

Он использовал для создания своих картин фотографии, одежду, обрывки газет, мусор - любые нетрадиционные предметы. 

rauschenberg

Клас Олденбург (род. 1929) - стал известен тем, что стал делать скульптуры, изображающие обычные, заурядные предметы (гамбургеры, воланчики для бадминтона, вилки, прищепки для белья и т.д.), но несоизмеримо огромных размеров. 

oldenburg

Энди Уорхолл (1928 - 1987) - известен своими изображениями банок супа Campbell's, а также политиков и звезд Голливуда, но его вклад в становление современного искусства, прежде всего, заключается в том, что он первый стал тиражировать свои работы. С него искусство больше не является уникальным и неповторимым объектом. Несмотря на то, что цены на работы Уорхолла состоят из шести цифр , его работ, выполненных в технике шелкографии, и по сей день на арт-рынке очень много. 

yorholl

Рой Лихтенштейн (1923 - 1997) - получил широкую известность создавая картины на основе комиксов и мультфильмов. Он также как и Уорхолл стал использовать технологию шелкографии, промышленной печати. 

lichtenstein

Джеймс Розенквист (род. 1933) - один из ведущих представителей поп-арта, прославившийся своими принтами и коллажами. 

rosenquist

 

Минимализм (конец 60-х гг.). 

Возник как реакция на абстрактный экспрессионизм и его художественные формы, сосредоточившись на геометрических формах, лишенных символизма и метафоричности в работах американцев – Карла Андре, Дэна Флавина, Сола ле Витта, Дональда Джадда. 

Карл Андре (род. 1935) стремился постичь структуру и пространство. Он создавал сборные конструкции из разнообразных промышленных материалов, обычно листов железа, кирпичей и т.д. при этом они никак не скреплялись друг между другом, тем самым позволяя с одной стороны разбивать их на геометрические формы - кубы, линии и т.д., а с другой стороны он как бы вовлекал зрителя принять участие, меняя фигуры местами, изымая некоторые из них. 

Clas

Дэн Флавин (1933 - 1996) первым начал использовать свет, как форму. Его работы по большей части состоят из флюрисцентных ламп. 

flavin

Сол ле Витт (1928 - 2007) как и другие минималисты работал с простыми геометрическими формами, его любимой был - куб. 

lewiit

Дональд Джадд (1928 - 1994) вслед за Марком Ротко говорил, что его работы - это простое выражение сложной мысли. Был художественным критиком и только потом стал художником. Также стремился к чистоте формы и пространства, разработал собственный словарь форм, а точнее "конкретных объектов" - "стопки", "коробки", "прогрессии". В последствии "вынес" свои работы на улицу, внеся свой вклад в развитие жанра инсталляции. 

jadd

 

Концептуальное искусство (70-е гг.)

 Идейно подготовлено Марселем Дюшаном,  переработано американскими художниками Джозефом Кошутом, Робертом Раушенбергом, Карлом Андре и другими. 

Джозеф Кошут (род. 1945) - основоположник и идеолог концептуализма считал, что: " искусство — это сила идеи, а не материала". Иными словами, задача искусства в передаче концепции, то есть идеи. Одной из самых первых концептуальных работ принято считать его работу "один и три стула", представляющую собой стул, его фотографию и описание из словаря. 

koshut

Окончательно формируется новое отношение к искусству. Всякое современное искусство - это наращивание на старые виды. Так все описанные выше направления выросли друг из друга. При этом, стоит отметить, что современное искусство, как и общество, чрезвычайно многообразно. Так, поп-арт гораздо более известен среди масс, нежели минимализм. Однако, это не означает, что в истории искусств минимализм занимает менее важное место. 

1
Похожие материалы

Данила Булатов: «В наши задачи не входило утвердить принципы Мальро как единственно возможные, а дать пищу для размышлений».

Валерий Кошляков: “Элизии – это даже не об искусстве, а об утраченных ценностях”

ТОП-10 самых дорогих натюрмортов

Быть арт-дилером

Ольга Булгакова: "Взаимоотношения художника и соблазна - очень сложные".

Музей американских художников на луне.

Расистская шутка в "Черном квадрате" Малевича и другие скрытые в известных полотнах картины.

В Москве вручили премию Инновация 2014

Джозеф Кошут. AMNEZIYA. МАММ. 23 апреля -21 июня.

Картина Серова установила рекорд стоимости русского искусства.

Sotheby's выручил рекордные $422 миллиона во время осенних торгов

От институционального курирования буржуазного типа к поиску новых форм.

5 самых известных "пустых" выставок.

Небытие и пустота в арт-практиках постмодернизма.

Современное искусство выявляет свою двойственность.

Художник и успех.

Четыре художника, заложивших основы современного искусства.




Комментарии

   
  •  10 ноября 2011 в 22:26
    Прекрасный обзор!
  •  31 января 2012 в 00:42
    Дэн Флавин кстати работал в 1959 году охранником в МОМА
  •  24 июля 2012 в 18:18
    Хорошая статья. Спасибо =)

Афиша / события